Parma è anche conosciuta come la città simbolo della Food Valley: l’itinerario enogastronomico dove poter gustare ottimo cibo e vino del territorio: un’occasione per scoprire alcune tra le più note eccellenze gastronomiche italiane, come il prosciutto di Parma, il Parmigiano Reggiano e il Lambrusco.

Per questo voglio condurti in un giro che puoi fare in una giornata (o due, se preferisci prendertela comoda): un tour tra arte, cultura enogastronomia e bellezza, tutta italiana.

La mia prima tappa alla scoperta dell’arte è stata al Battistero di San Giovanni Battista.

Rendere la sua bellezza e la sua unicità attraverso delle foto non è facile. Opera del grande maestro Benedetto Antelami, che l’ha progettato tra il 1196 e il 1216, è una struttura ottagonale in marmo rosa di Verona, al suo interno arricchita di dipinti e bassorilievi medioevali e rappresenta uno dei monumenti più significativi del passaggio dal romanico al primo gotico. Come puoi vedere dalle foto, si sviluppa in altezza e colpiscono l’attenzione le numerose statue che rappresentano il ciclo dei Mesi e delle Stagioni.

Qui sono davanti alla Cattedrale che si trova nella stessa Piazza del Battistero, anche questa è opera di Antelami. In particolare non puoi non soffermarti davanti alla lastra in marmo rosa della Deposizione dalla Croce (1178), capolavoro della scultura romanica, filtrato dalla tradizione bizantina. Si tratta dell’unico altorilievo, giunto ai giorni nostri, di tre tavole che decoravano il pontile o pulpito di Antelami.

Ci incamminiamo verso il Complesso Monumentale della Pilotta… se si viene colti da un languorino, per una merenda qui non c’è che l’imbarazzo della scelta tra i molti locali che propongono taglieri di culatello di Zibello e Parmigiano Reggiano DOP servito con la torta fritta: dei quadrotti di pasta di pane lievitata tuffati e fritti in olio caldo che accompagnano i salumi e formaggi (il corrispondente del panzerotto toscano, ma senza mollica).

Eccoci alla Pilotta. Il Complesso Monumentale comprende il Teatro Farnese, il Museo Archeologico, la Galleria Nazionale, la Biblioteca Palatina e il Museo Bodoniano.

Lo stupore da cui si viene colti entrando al Teatro Farnese (opera di Giovan Battista Aleotti), è grande tanto quanto è intenso l’odore penetrante del legno che emanano le sue scalinate, al di sopra delle quali si trovano statue, che rimpiazzano le originali sculture in gesso della famiglia Reti, per la maggior parte polverizzate. L’architettura del Seicento è testimonianza della vita di corte dei Duchi Farnese. Quasi distrutto nel ’44 dalle bombe è stato magnificamente recuperato con un’opera di restauro iniziata negli anni Cinquanta e terminata a metà degli anni Sessanta.

Tra i dipinti del 500 che si trovano alla Galleria Nazionale, spiccano La Scapiliata (1492-1501) di Leonardo da Vinci, la Madonna di San Gerolamo (1526-1528) di Antonio Allegri, detto il Correggio, La Schiava Turca di Francesco Mazzola, detto Il Parmigianino; e ancora, tra gli altri, le opere del Canaletto, de El Greco e di Antonio Canova.

La giornata si conclude con una cenetta in una delle trattorie tipiche di Parma. Dopo gli antipasti con salumi deliziosi e uno dei Parmigiani più buoni della mia vita, ho gustato dei cappelletti squisiti.

Parma (come tantissime città italiane) è uno scrigno di di tesori e di bellezze uniche e non ti deluderà 🙂

Ci sono tante altri giri, di uno o due giorni, che mi piacerebbe suggerirti…

… te li racconterò la prossima volta!

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Con le esposizioni di due Maestri toscani, promosse dal Comune di Seravezza insieme alla Fondazione Terre Medicee, la cittadina vuole tornare agli splendori degli anni Novanta, con venticinquemila visitatori paganti a mostra, come accadde per quella su Lorenzo Viani che, insieme ad altre importanti esposizioni organizzate nel Palazzo, rese Seravezza parte integrante del circuito delle grandi rassegne d’arte in Italia e in Europa.

La Villa Medicea di Seravezza è un complesso architettonico costituito dal Palazzo, le Scuderie, la Cappellina e il giardino. L’edifico principale, il Palazzo, fu costruito per volere di Cosimo I de’ Medici, Granduca di Toscana, tra il 1561 e il 1565. 

 Il Palazzo e il Giardino Mediceo, dal 2013, sono diventati Patrimonio dell’Umanità Unesco. 

Dopo il successo riscosso dalla mostra LORENZO D’ANGIOLO. EPIFANIE DELLA LUCE. OPERE 1976 | 2022, a cura di Nicola Micieli, da agosto è stata inaugurata una nuova mostra.

L’estate di rinascita del Palazzo Mediceo prosegue infatti con la mostra di FRANCESCO STEFANINI. NEL TEMPO. OPERE 1972-2022 che si è aperta sabato 6 agosto e termina il 2 ottobre. 

Sia la mostra di D’Angiolo che quella di Stefanini, hanno in comune il racconto del percorso creativo degli artisti negli anni, dagli esordi alla maturità; entrambe rappresentano inoltre un viaggio, attraverso le loro opere, alla scoperta della luce e dei suoi misteri. 

Incaricato dell’organizzazione e supervisione delle due mostre è Costantino Paolicchi.

A cura di Stefano Cecchetto e Giuseppe Cordoni questa mostra di Francesco Stefanini vede un significativo ampliamento del numero di opere esposte, settanta in totale, rispetto alla personale presentata precedentemente alla Fondazione Bevilacqua La Masa di Venezia. 

Approda così in Versilia un’altra mostra di imponente spessore culturale, con un artista la cui poetica ha incantato Bernardo Bertolucci, che l’ha voluto con sé per le scenografie di Segreti, segreti. 

Stefanini, pietrasantino, dall’85 è nelle più raffinate collezioni d’arte contemporanea, e dagli anni Novanta inizia la sua consacrazione internazionale con le personali a Tokio, Zagabria, Salisburgo, Praga, Vienna, Budapest, Mannheim, New York, Pechino, Brisbane, Sarajevo, Buenos Aires e Perth.

In un rigoroso percorso cronologico, la rassegna versiliese, apre questa finestra importante sull’arte contemporanea e porta al Palazzo Mediceo l’immaginario poetico di Stefanini.

Vorrei raccontarti di tante realtà ed eventi del mondo dell’arte, che coltivano la passione per il bello…

… ma queste sono altre storie e te ne parlerò un’altra volta.

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L’artista Melanie Francesca espone THE BOX, un’imponente installazione luminosa in tela e metallo che arriva a Sanremo direttamente da Dubai, dove è stata inaugurata dal Ministro della Cultura degli Emirati Arabi Uniti sua Altezza lo sceicco Nahyan bin Mubarak al Nahyan.

THE BOX è l’interpretazione di Melanie Francesca del vaso di Pandora. La bellissima e virtuosa Pandora, prima donna ad apparire nella mitologia greca, per aver disobbedito a Zeus libera tutti i mali del mondo aprendo il dono del Re degli Dei, ma per ultima libera anche la speranza, salvifica virtù. 

THE BOX, la monumentale installazione di Melanie Francesca – 400 kg per 3 mt per lato e 2,5 mt in altezza – invita ad entrare dentro l’opera e ad immergersi nella storia dell’umanità raccontata dall’artista.

Installata in una location unica ed esclusiva, Villa Ormond, dove le telecamere immortalano e raccontano i protagonisti del Festival, THE BOX sarà ammirata da tutti i cantanti, personaggi dello spettacolo e delle istituzioni, giornalisti, ospiti e influencer che si incontreranno durante l’eccitante maratona del Festival di Sanremo.

Melanie Francesca vive tra Dubai e la Svizzera. È scrittrice, artista visiva, opinionista e giornalista. A Sanremo verrà premiata “come artista eclettica capace di passare dalla scrittura alla poesia all’arte e i cui versi hanno ispirato musicisti e direttori d’orchestra” durante l’esclusivo Gran Galà Sanremo Sol & Novella 2000 alla presenza di molti personaggi del mondo della cultura, dello spettacolo e delle istituzioni. Al Victory Morgana Bay, location d’eccezione della serata del 3 febbraio, saranno premiati, tra gli altri, Al Bano, Ornella Muti e Stefano Coletta, Direttore di Rai 1.

Come artista visiva Melanie Francesca ha esposto in Europa e Medio Oriente. Il suo THE BOX ammirato a Dubai e Abu Dhabi, dove è stato esposto per la prima volta, arriva per la prima volta in Italia per un’occasione speciale, quella del Festival di Sanremo dove, a tutti gli effetti, per la prima volta si espone un’opera d’arte contemporanea.

THE BOX è l’apoteosi di questo mondo, la cosmogonia di un delirio universale. All’interno dell’opera, che ricalca gli stilemi del Giudizio Universale, trovano posto la bellezza e l’abiezione, la guerra e la morte, in una visione tragica. Il tratto di Melanie Francesca nel THE BOX è un tratto netto, determinato, un fiume in piena che costruisce un racconto surreale, trasognato. Un mondo popolato da uomini e donne, da animali e insetti, da architetture e alberi che si intersecano in un’iperbole di mondi veri e mondi immaginati, di storie antiche e di visioni contemporanee. Ma tra immagini conosciute, autoritratti, angeli e demoni, memento mori, fuggiaschi e addolorate, si elevano immagini di speranza, di donne e di madri, di bambini e di vita, in una parola sola, di speranza. Ementre il dipanarsi di questa architettura di immagini cattura l’attenzione dello spettatore compare nell’opera la poesia. THE BOX contiene decine di poesie e rime dell’artista scritte appositamente, una recita verbale che si unisce al racconto in nero di china.

Il verso 94, “l’arpa che incarta il corpo suona sull’uomo nuovo, per cui vibra variabile il presente, instabile ma sposo della spinta sul futuro”, è segno anch’esso di come THE BOX sia un’opera dedicata alla speranza, un vaso di Pandora contemporaneo che come quello del mito racconta il male ma lascia il passo al futuro, all’uomo, alla bellezza.

THE BOX è stato ammirato in anteprima dal noto scrittore e giornalista Francesco Alberoni che ha così commentato l’opera e l’artista:

“Nella sua attività artistica sposa con notevole talento gli stilemi del disegno e dell’incisione, memoria dei Maestri nordici come Dürer, alla potenza della modernità, rappresentata da lightbox e arte “esperienziale”. 

Nelle sue opere si ritrova l’attenzione ad un’umanità unita, la cui multiculturalità, spe­rimentata in prima persona dall’artista che ormai da anni vive ed espone negli Emirati Arabi, lungi dall’essere un ostacolo, diventa uno dei maggiori punti di forza. 

Riflettendo su un passato comune, Melanie Francesca crea per l’osservatore un’esperien­za artistica totalizzante, fornendogli gli strumenti per immergersi completamente in un viaggio al di fuori da spazio e tempo definiti. 

Storia e tradizioni rivivono, tanto nelle opere artistiche, quanto in quelle letterarie, grazie ad uno stile giovane e audace capace di colmare il gap tra le epoche. Uno stile che deriva, forse, dall’esperienza di vita dell’artista, donna occidentale, in un Paese permeato da una cultura secolare, ma ancora assolutamente viva. 

Quasi una mitologica Pandora, Melanie Francesca ci ricorda che i contrasti, i chiaroscuri e le contraddizioni fanno parte della vita di ciascuno di noi, che la bellezza riluce ulterior­mente emergendo dalle tenebre e che in tutto ciò risiede la forza e la potenza del genere umano. 

L’artista ha il coraggio di riflettere con lucidità sulla vita e, non senza una punta di smali­ziata ironia, di aprire a tutti noi una finestra su queste sue meditazioni, superando paure e pregiudizi, lasciandosi trasportare da ciò che sente dentro di sé e desidera condividere come espressione della sua anima. 

Dai libri, alle poesie, alle opere, l’arte di Melanie Francesca è un incalzante invito a go­dersi l’esperienza e le mille sfaccettature e sfumature che il mondo, oggi come un tempo, può offrirci”.

Sono così tanti gli artisti da scoprire…

… ma queste sono altre storie e te le racconterò un’altra volta.

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Oggi ti racconto di un pianista e compositore di spicco della scena musicale toscana, di respiro internazionale. Viene da Livorno, è del 1977 e si chiama Daniele Gorgone. 

Il suo nuovo disco è uscito il 1° luglio, col titolo RIVER DANCE, ed è stato realizzato in collaborazione con un ospite internazionale di rilievo come il trombettista Flavio Boltro (che ha fatto parte del sestetto di Michel Petrucciani). 

Vi hanno partecipato i due componenti del gruppo di Gorgone: Marco Piccirillo al contrabbasso e Pasquale Fiore alla batteria. Daniele, al piano, si esprime con il suo consueto stile brillante e un profondo senso della tradizione e della cultura jazzistica americana.  

RIVER DANCE è prodotto dall’etichetta inglese DDE records di Mike Generale, con sede a Londra ed è uscito in formato digitale il 23 luglio.

Ti è venuta voglia di ascoltarlo e farti rapire dal ritmo del jazz?… 

Sappi che il repertorio è una raccolta di composizioni e arrangiamenti: brani originali di Gorgone e Boltro, standard jazz completamente rivisitati, un brano Funk anni ‘70 e un brano con tempi dispari. 

Sono davvero molti i lati della personalità artistica di questo pianista! Per questo sulla copertina del disco, appaiono degli alberi con tanti volti. RIVER DANCE esprime tutte queste sue sfaccettature, con un sound all’insegna del groove, delle linee melodiche accattivanti, dalla straordinaria energia. 

È stato registrato quasi alla fine del tunnel della pandemia. Ho avuto il tempo, la concentrazione e l’ispirazione necessari per poter sistemare bene i brani e riarrangiarli per tutti gli strumenti. È nato da un’idea che ho avuto insieme a Boltro, con cui collaboro già da diversi anni (così come il trio di Gorgone, formato da tempo). Ci siamo trovati insieme e Flavio mi ha molto incoraggiato per tradurre in musica tutta la serie di brani che stavamo suonando. Da lì abbiamo deciso di registrare questo disco, di cui andiamo molto fieri.

Appuntamenti live 

Concorderai con me che ascoltare jazz di livello dal vivo è sempre un’esperienza emozionante. Avrai l’occasione di ascoltare RIVER DANCE durante i prossimi concerti, tra i quali i primi tre con la partecipazione di Boltro:

• 3 ottobre a Massa Carrara – Festival Mutamenti, uno dei più importanti del Centro Italia per il jazz 
• 4 ottobre a Pisa, presso Il Cavatappi Spirito Jazz
• 21 ottobre a Padova – Caffè Pedrocchi
• 22/10 Gorgone trio (M. Piccirillo P. Fiore)  –  Jazz Club Barasso  (VA)
• 25/11 Deborah Carter italian 4tet  – Aula Meridiana Unige  Genova (GE)
• 26/11 Deborah Carter italian 4tet  – Camera Jazz& Music Club  Bologna (BO)
• 27/11 Deborah Carter italian 4tet  – Camera Jazz& Music Club Bologna (BO)

Daniele, torna sul palco, dopo un tour estivo col suo trio, in Albania in Kosovo e Serbia, dove ha presentato il disco, fatto concerti e anche dei seminari per presentare la sua musica. “Il nostro manager albanese Florian Jakai ha coinvolto anche le ambasciate dei rispettivi paesi. Siamo rimasti molto soddisfatti”. 

Di seguito ti riporto alcuni, tra i tanti commenti al disco RIVER DANCE:

′′Dexter Gordon diceva ′′Concetto!”. Qui in questa offerta è una delle prime cose che ho sentito. C’è un punto di vista definitivo in questa raccolta di composizioni e arrangiamenti interessanti e creativi. Daniele Gorgone ha la sua voce riconoscibile e la recita del gruppo è personale e intima, piena di colpi di scena sorprendenti. Mi ha dato qualcosa a cui pensare”.
GEORGE CABLES (pianista e compositore jazz americano)

′′Davvero un bel disco, bellissimo: il pianista Daniele Gorgone è riuscito ad abbracciare tutto quello che ammiro in un pianista jazz. Ha una grande sensibilità armonica, un bel tocco, una profonda consapevolezza della tradizione musicale, ed è un grande accompagnatore oltre che un grande solista. Daniele è veramente una nuova stella che brilla all’orizzonte del piano jazz′′.
JAMES ROTONDI (trombettista, compositore, arrangiatore, educatore e direttore d’orchestra americano)

Carriera e formazione di un pianista jazz

Nella sua carriera artistica Gorgone ha vinto il concorso Barga Jazz (LU), sezione gruppi emergenti (settembre 2006), è stato finalista al Premio Urbani (MC) nel 2009 e ha vinto il premio della critica al concorso Chicco Bettinardi (PC) nel 2010. 

Tanti i paesi e festival in cui Gorgone ha suonato… te ne elenco alcuni per tua curiosità, nel caso volessi scovare qualche jazz club o festival degno di nota mentre sei in giro per lavoro o in viaggio:

Montopoli Jazz Festival (PI), Piacenza Jazz festival (PC), Gallarate Jazz Festival (MI), Villa Imperiale Jazz (GE), Beat Onto (BA), Sile jazz (TR), Fermo Jazz Festival (FE),Francavilla Jazz (BR), Peperoncino jazz festival (CS), Roccella Jonica Jazz festival (RC), Jazz al Metastasio (PO), Torino Jazz Club (TO), Seravezza jazz Festival (LU), Latina Jazz Festival (LT), Darry Jazz Festival (Irl del Nord), Summer Jazz Open air (New Jersey, USA), Jazz a la Bellevilloise (Paris), Istanbul Jazz Center (Turchia), Jazz Club Luzern (CH), Le Controtemps Geneve (CH), Le jam Montepellier (FR), Jemboree Barcelona (SP), Ubud Village jazz festival (Bali, Indonesia), Sappho live jazz (Taipei-TAIWAN).

Se ti stai chiedendo quale sia stata la sua formazione, sappi che Daniele dopo il Conservatorio di Livorno, ha partecipato a vari seminari e corsi, con noti docenti e nomi della musica italiana, tra i quali Dado Moroni, Riccardo Zegna, Stefano Bollani e anche americani, come Barry Harris, Norman Simmons, David Hazeltine.

Forse concorderai con me che quello che conta per un artista, oltre naturalmente studiare, sia alimentare la propria immaginazione e sperimentazione attraverso la frequentazione di ambienti sempre nuovi, che stimolino la creatività e lo scambio di idee con gli altri. 

Nel caso di un musicista, avviene naturalmente suonando con altre persone, non limitandosi a farlo nel proprio ambiente, ma cercando sempre nuovi stimoli, viaggiando molto, lavorando in giro per l’Italia e all’estero, conoscendo persone nuove con cui fare musica e scoprendo nuovi mondi artistici, che possano arricchire profondamente la sua personalità e il suo estro.

E questa è proprio la ricetta seguita da Daniele Gorgone, che ha anche avuto la possibilità di collaborare con diverse star internazionali del jazz (di cui tra poco ti racconterò un aneddoto), sia a livello discografico che partecipando a tour in Italia, in Francia, Svizzera, USA, Irlanda, Germania, Slovenia, Cipro, Indonesia, Taiwan, Albania, Inghilterra e Olanda. 

Sono un ragazzo ormai maturo – si racconta – come tutti i musicisti con tanti sogni, molti dei quali realizzati altri da realizzare, però mi considero fortunato perché riesco a fare un lavoro che per me è anche una passione e un divertimento. Tanti mi definiscono un godereccio compulsivo, mi piace tutto quello che provoca gioia. Nell’ambito lavorativo amo molto condividere esperienze, situazioni ed emozioni con colleghi, sia italiani che esteri, sia sul palco, che al di fuori della musica; anche perché poi la musica viene fuori meglio quando si riescono a condividere altre cose. Mi considero un livornese doc perché devo tanto a Livorno. Ci ho fatto la scuola e ci sono cresciuto musicalmente, anche se ora abito in Versilia.

Come nasce la passione per la musica jazz? 

La sua risale ai tempi del liceo, quando un professore di filosofia, durante le spiegazioni di Leibniz e Spinoza, citava grandi musicisti, come Charlie Parker e Thelonious Monk. Da lì Daniele inizia a fare ricerche di questi e altri nomi, come Dizzy Gillespie, e capisce che dietro c’è un mondo.

“Il mio compagno di banco aveva un fratello che era già un chitarrista di jazz e in casa ci faceva trovare vinili, dischi e cd, abbiamo cominciato approfondire la cosa ed è nato un amore a prima vista. Ascoltavamo Duke Ellington, Dizzy e Parker. Ero in una classe fortunata perché c’era Roberto Luti, del ‘77 come me, chitarrista di Livorno che poi ha avuto un successo internazionale. Gli argomenti la mattina, quando si entrava a scuola, erano sempre quelli sulla musica! Tra i miei ricordi c’è il primo gruppo che ho avuto in prima liceo. Eravamo tutte persone che ci credevano molto, ci dedicavamo tanto tempo, già a 14-15 anni”.

Come ti ho già accennato, Gorgone ha molti  ricordi e aneddoti con nomi noti del jazz, avendo avuto la fortuna e l’onore di collaborare con tanti musicisti americani di rilievo e fama internazionale. In particolare ce n’è uno che gli ha in qualche modo “cambiato la vita”. Un incontro che risale a circa quindici anni fa.

Tra il 2005/2006 feci un tour internazionale con Scott Hamilton, un sassofonista americano incredibile (ci ha fattodiversi tour e inciso un disco a suo nome) che suonava con il grande Ray Brown. Giravamo Germania, Svizzera e Francia e c’era anche la tappa Parigi-Montpellier. Non era particolarmente impegnativa, ma la sera prima successe di tutto: il classico “Everything happens to me”. Si bloccò il furgone e fummo costretti a prendere un treno sostitutivo; tutta una serie di impedimenti che ci portarono ad arrivare al club solo 15-20 minuti prima del concerto, senza cena né sound check. Quella sera c’erano circa quattrocento persone ad attenderci (si tratta del Jam, Jazz Club di Montpellier, costruito ad anfiteatro coperto, con una grande capienza). La ritmica, che accompagnava Hamilton, eravamo noi giovani; lui aveva già più di sessant’anni, ma eravamo tutti stanchissimi, era già il settimo giorno di tour, e lui più di noi, data l’età. Ricordo che nel camerino, cinque minuti prima di montare sul palco, ci disse: “Ragazzi voglio che questa situazione che abbiamo di nervosismo e stress non sia un alibi per suonare la prima cosa che ci capita, ma invece uno stimolo, per ricercare nella nostra creatività, attingere dalla nostra immaginazione, qualcosa che a livello musicale, in una situazione normale, non sarebbe mai venuto fuori”. Ci guardammo tutti dicendo “è facile a dirsi” e invece mi ricordo, come fosse ieri, che venne fuori un concerto incredibile. Mi porterò sempre dentro quelle parole. Negli anni successivi ho capito che quella situazione non è così sporadica per un musicista e il grande artista lo vedi quando, in quei momenti, riesce a tirare fuori il meglio di sé. È stata una lezione di vita, oltre che di musica. Su YouTube ci sono almeno un paio di video di quella serata, a cui ho legato questo un aneddoto, basta mettere Gorgone Scott Hamilton Montpellier.

Oltre a Hamilton, tra i musicisti più importanti con cui Gorgone ha collaborato, sia italiani che americani, ci sono icone del jazz, come Dave Schnitter, già sax tenore, nei Jazz Messengers, il grande sax alto inglese Peter King, Jesse Davis e Tom Kirkpatrick, col quale ha un progetto stabile da anni. 

E ancora: Jason Marsalis, Garrison Fewell, Joe Lee Wilson, Bucky Pizzarelli, Andy Gravish, Rachel Gould, Claudio Chiara, Fabrizio Bosso, Patrice Soler, Max Ionata, Mattia Cigalini, Emanuele Cisi, Marlene Verplank, Marco Panascia, Joahnnes Faber, John Davis, Tino Tracanna, Grant Stewart, Luciano Milanese, Dave Glasser, Perico Sambeat, Joe Cohn, Jim Rotondi, Stjepko Gut, Deborah Carter, Carlo Atti, Battista Lena, David Pastor.

Daniele ha anche realizzato pubblicazioni discografiche come leader: 

• Daniele Gorgone NY trio feat. Marco Panascia e John Davis (reg a New York ottobre 2008)
• Daniele Gorgone 4tet feat Dave Schnitter Daniele Gorgone – piano, Max Rolff – contrabbasso, Elisabeth Keledjian – batteria, David Schnitter – sax tenore (Geko records 2010)
• Daniele Gorgone trio – Lucky Man feat. Luciano Milanese e Giovanni Paolo Liguori (Blue Art 2014)

E naturalmente è salito anche su tanti palchi ed è stato convocato per suonare in studio di registrazione a suonare come sideman, da virtuoso di pianoforte: 

•  Mingus sound of love (Federica Gennai 4tet  – Samjazz, 2007)
•  Mindfullness Giovanni Sanguineti feat. Grant Stewart – video radio, 2009)
•  Mira Que Parla (Perico Sambeat italian 4tet – Blue Art, 2013)
•  Angel Song (Guazzo, Melani, Rolff, Gorgone – JC records, 2016)
•  Move the Joy (Kirkpatrick, Paoli, Zunino, Palopoli, Ranalli – Full Heads, 2014).

Vorrei raccontarti ancora di musica…

… ma queste sono altre storie e te ne parlerò un’altra volta.

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Conosci già la COLLECTORS NIGHT?… si tratta di un appuntamento (giunto quest’anno alla sua sesta edizione), dove più gallerie propongono contemporaneamente nuove esposizioni: un collettivo di progetti artistici di qualità, incentrati sul collezionista. Non a caso le gallerie partecipanti sono tutte iscritte all’ANGAMC – Associazione Nazionale Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea. La serata di quest’anno è stata organizzata da nove gallerie, che ti vado a presentare, con il patrocinio del Comune di Pietrasanta.

Come immaginerai, questa edizione ha segnato anche il ritorno alle mostre in presenza e alla socialità: negli spazi delle gallerie è stato accolto un pubblico numeroso e variegato, oltre ai collezionisti, gli appassionati d’arte, i curatori e semplici curiosi.

Dopo sei edizioni, la COLLECTORS NIGHT è infatti diventata un vero e proprio brand, da difendere, far crescere e valorizzare e anche tu forse condividerai che fare cultura significhi innanzitutto fare rete e includere il territorio.

Le gallerie partecipanti

Accesso Galleria, Barbara Paci Galleria d’Arte, Futura Art Gallery, Galleria Deodato Arte, Galleria Giovanni Bonelli & LIS10 Gallery, Galleria Poggiali, Galleria Susanna Orlando, Marcorossi Arte Contemporanea, Paola Raffo Arte Contemporanea hanno aperto le loro sedi espositive dal tardo pomeriggio alla notte, inaugurando contemporaneamente una serie di mostre, dedicate a maestri storicizzati, autori internazionali e giovani promesse, offrendo un’ampia panoramica sull’arte del presente.

Tra queste gallerie, alcune hanno più sedi, sia nella stessa Pietrasanta, a Milano e nel mondo. 

Hai ancora tempo per vedere tutte queste esposizioni d’arte.

Presentate per la prima volta al pubblico il 10 luglio, proseguono almeno fino alla fine del mese in corso e molte anche ad agosto, le date te le vado a indicare via via che te le racconto.

La bellezza di questa città risiede nella sua storia, che parte da lontano, con le eccellenze dei laboratori artigiani, esperti nella lavorazione del marmo e nella fusione del bronzo. Collaborano con i grandi artisti, che qui trovano un ambiente ideale per realizzare le loro opere… le gallerie chiudono il cerchio, con l’ultimo ed essenziale passo della filiera dell’arte: la commercializzazione e le grandi mostre, pensate per l’occhio attento di appassionati e collezionisti ma anche per l’intrattenimento delle persone. 

La mappa del circuito artistico

Andiamo a scoprire quelle che sono le mostre di quest’anno. Muniti di mappa del circuito, potremo percorre le strade della città, visitando le nove esposizioni.

Per darti un assaggio di quelle che sono le opere esposte quest’anno in un pomeriggio estivo ho percorso a piedi tutta la cartina che trovi qui:

Sono partita dalla Galleria Giovanni Bonelli, nella sua sede storica in via via Nazario Sauro 56 appena fuori dalle mura di Pietrasanta. In partnership con Lis10 Gallery quest’anno ha promosso la nuova mostra, “Africa Staged – L’Africa messa in scena”, a cura di Alessandro Romanini che prosegue fino al 22 agosto. È dedicata all’arte africana, con opere di Aboudia, Bernard Ajarb, Nu Barreto, Armand Boua, Frédéric Bruly Bouabré, Seni Awa Camara, Soly Cissé, Lovemore Kambudzi, Gonçalo Mabunda, Esther Mahalangu e Cheri Samba. 

Utilizzano l’arte, per superare il dramma della guerra, sublimandolo nelle loro opere, come Mabunda che raccogliendo ogive, bossoli e parti di Kalashnikov abbandonati dalla guerra in Mozambico, ha realizzato un trono della pace, con riferimenti alla tradizione culturale e iconografica africana; oppure Aboudia, dalla Costa D’Avorio, tra i giovani artisti contemporanei africani di maggior successo, che negli Stati Uniti  è considerato il nuovo Basquiat, legato all’attuale movimento black e alla street art. “Questi giovani artisti africani escono dal loro territorio con una forza dirompente, proponendo la loro arte i loro colori, la loro cultura – commenta Bonelli – sono presenti sui mercati occidentali, soprattutto a Londra, a Parigi e negli Stati Uniti. Da qui il desiderio di presentarli in Italia e poterli offrire e proporre ai clienti della galleria e appassionati”.

Mantenere uno stretto contatto con le proprie radici, le tradizioni e la storia del proprio paese, caratterizza le opere dell’artista sudafricana, Mahalangu: “Dipinge con i colori tipici della cultura della sua tribù e li ripropone in tutti i suoi lavori. Sono così radicati nella cultura del suo territorio che diventano stemmi ideali della storia che contraddistingue quei popoli”. Viene dalla Guinea Nu Barreto che lavora a Parigi. Nelle sue opere, elementi che riportano alla casa, la quotidianità, come la sedia e la scala, con una nota sociale: persone che cadono e il rosso intenso, usato come elemento decorativo, riporta alla drammaticità di certe aree dell’Africa.

Dopo la recente mostra a Lucca, viene ripresentato qui il lavoro di Bouabré, pittore  della Costa D’Avorio. Molto amato dagli artisti occidentali, come Alighiero Boetti, nel Secondo Dopoguerra ha saputo imporsi nel panorama internazionale esponendo in tutta Europa e creato un alfabeto visuale e grafico, per tenere in vita la memoria e la cultura della sua terra, dato che l’Africa ha pochissime lingue originali, soppiantate spesso da quelle europee dei colonialisti.

Raggiungiamo adesso Accesso Galleria in via Marzocco, dove Kelly Robert e Luca Moscariello sono i due nuovi protagonisti di questa mostra, con le loro opere dai colori vibranti. Kelly lavora creando sculture modellate in creta, poi cotte e dipinte, che raffigurano corpi di donne in pose di forza. Moscariello, con i dipinti della sua serie Puzzles rappresenta blocchi di colore in olio, smalto o gesso che come tasselli s’incastrano tridimensionali e utilizza il trompe l’oeil.

Brad Brubaker, il gallerista, ogni anno sceglie artisti nuovi e dopo la pandemia ha deciso di mettere insieme loro due per accendere il colore su un periodo oscuro. La doppia personale “Luca Moscariello e Kelly Robert. Guarda oltre”: prosegue fino al 1° agosto.

In Via Garibaldi troviamo Futura Art Gallery , diretta da Claudio Francesconi (coordinatore della COLLECTORS NIGHT). In mostra, fino al 7 agosto “Al di là del volto”, un progetto che pone in dialogo i collage della giovane artista belga Audrey Guttman e del maestro Jiří Kolář. “Queste immagini provengono da un libro degli anni Cinquanta, che spiega come valorizzare il proprio viso col trucco o modellare la silhouette – spiega la Guttman –  si tratta della pressione esercitata sul corpo delle donne. Attraverso il collage che rovescia sia le apparenze che i sensi abituali delle immagini, cerco di trovare un’altra dimensione nascosta dentro di loro. Ho fatto questi montaggi e spostato lo sguardo sulla donna, per darle il potere di emanciparsi, attraverso una migrazione di forma della figura”.

“Sottraendo dettagli minimi – spiega la curatrice Chiara Vecchiarelli – un piccolo taglio fa sì che la figura possa fuggire e ricomparire ribaltata nel senso.

Di quest’altro artista storico, Kolář, abbiamo un trittico di collage, alla quale Audrey risponde con una sorta di una nuova dimensionalità dell’immagine, lattine pop art, in una critica alla società di consumo”.

Futura Art Gallery è anche promotrice della mostra di Giuseppe Veneziano, in Piazza del Duomo e nei luoghi simbolo di Pietrasanta. «La grande mostra che la mia galleria ha prodotto quest’anno è anche quella ci parla di ripartenza e di unione – commenta Francesconi –  con questa grande banana blu che campeggia in mezzo alla piazza e rappresenta l’Europa che non dorme mai, che produce e lavora anche la notte: la Blue Banana infatti è un simbolo macroeconomico che si riferisce a questo». 

Restando in via Garibaldi, entriamo ora nella galleria MARCO ROSSI Arte Contemporanea: espone fino 31 luglio una personale di Franco Guerzoni, che farà poi tappa a Milano, Verona e Torino. Il titolo “Ritrovamenti” allude ad un ciclo di opere degli anni Duemila (tra il 2000 e 2017) che il visitatore è invitato a riosservare ad una diversa distanza temporale.

 “Abbiamo scelto un artista storicizzato, riconosciuto nel suo percorso artistico, che ha partecipato varie volte alla Biennale di Venezia – commenta Maurizio Trinci, direttore della galleria – e adesso, fino alla fine di agosto, ha una mostra al Museo del 900.

Per questa esposizione abbiamo voluto presentare una selezione di opere che rappresentassero il suo lavoro. Le tele appaiono come pareti scrostate che, come dice lo stesso artista, sono come un libro da sfogliare. Anche il segno di un chiodo trasmette una memoria: gesso e pigmento in polvere su legno, permettono di ottenere questa scarificazione della tavola, e lavorare come se fossero segni, trovati su una parete, che raccontano una memoria, un percorso, in una specie di archeologia contemporanea.

Due opere più recenti sono invece realizzate con la tecnica dello strappo d’affresco: il lavoro quando è completato è un monocromo, poi l’artista con la tecnica con cui si staccano gli affreschi dal muro, è andato, per sottrazione, a ottenere questo risultato sulla parete. È anche una metafora: lui dice che è come non fermarsi al primo strato, all’apparenza delle cose, ma andare sempre a vedere cosa c’è sotto”. 

Restiamo ancora in via Garibaldi. Al numero 22 troviamo la nuova sede, inaugurata di recente a Pietrasanta, della galleria Deodato Arte, brand internazionale d’arte contemporanea e punto di riferimento in tutto il mondo per la Pop e Street Art. Fino 31 luglio vi prosegue la mostra “Banksy for sale, in Pietrasanta” con un titolo volutamente provocatorio che conta su opere tra le più significative dell’artista, tutte certificate Pest Control, organizzazione che lui stesso ha creato per tutelarsi.

Beatrice Acerbis, responsabile di B2B della galleria, segue gli eventi e ci spiega come la galleria abbia circa cento opere di proprietà. “Per questa mostra sono esposte serigrafie, opere di street art di Banksy, sia firmate che numerate, o solo numerate. Vengono dai suoi pezzi unici, riprodotti su strada. Qui abbiamo tre esempi di una cartella “Barely legal” il nome deriva da una mostra che lui ha creato nel 2006. Il Pulp Fiction è un’altra tra le opere più richieste. Le opere di Banksy sono una critica alla società, come questo ratto, in realtà un soggetto che lui ha “rubato” citandolo da Black Le Rat, street artist francese di circa settantacinque anni, che l’aveva creato negli anni ’80.

È diventato un po’ il suo simbolo, insieme alla Girl with baloon e al pezzo più importante esposto qui: quello in tre tavole “Love is in the air”, un lanciatore che al posto di una molotov lancia un mazzo di fiori, esposto anche al Gross Domestic Product”.

Nella sede in via Garibaldi Barbara Paci Galleria d’Arte propone fino al 22 agosto, la bi-personale del pittore Andrea Collesano e dello scultore Nicola Lazzari “D’Oro è il Giardino”, con testi di Margherita Loy e Francesca d’Aloja. Racconta la possibilità di una comunione perfetta tra essere umano e natura, tra mondo animale e terra. “La Collectors si conferma un appuntamento di riferimento per i collezionisti che negli ultimi anni è cresciuta molto, assumendo visibilità anche per tutti coloro che cercano un intrattenimento colto, dedicato all’arte.

Ci fa piacere aver ampliato il nostro pubblico, perché in un momento come questo, possiamo contribuire alla rinascita attraverso la cultura. Per questo in questa nostra mostra abbiamo chiesto ai due artisti, Andrea Collesano e Nicola Lazzari, che da sempre hanno nelle loro corde come soggetti la natura, di creare un vero e proprio giardino toscano: con animali che fanno parte delle nostre campagne, niente di esotico, ma qualcosa che riavvicinasse nuovamente a questa dimensione. Si parla di flora e fauna: il messaggio è proprio rigenerare, rinascere e direi che la natura, di questo, è il simbolo per eccellenza”.

Andrea Collesano: “Sono disegni a china, pezzi unici, realizzati su carta Fabriano. Li coloro con tè, caffè, cose naturali. Quando la carta è asciugata inizia il vero e proprio lavoro: fantasia e istinto. Sono da sempre ispirato da soggetti come la natura e gli animali, non ci sono tracce di umanità, se non alcuni piccoli simboli”.

Una natura che viene evocata in maniera più simbolica, nelle sculture di Nicola Lazzari esposte in galleria.

Festeggia i suoi quarantacinque anni di attività a Pietrasanta, la Galleria Susanna Orlando, con la mostra “Grand Hotel Orlando”, in programma fino al 20 agosto. Ideata dalla gallerista, insieme al mood director Nicola Santini, l’esposizione si sviluppa attraverso le opere degli artisti da tempo legati alla galleria, unitamente ad alcune collaborazioni più recenti. “Ad accomunare personalità e storie così diverse è il forte e affettuoso legame con la galleria – commenta la Orlando – una lunga carriera, iniziata nel 1976 a Forte dei Marmi, in cui il filo conduttore è, da sempre, la passione con cui gli artisti sono seguiti, valorizzati, “accolti”, proprio come in un confortevole hotel”.

Una collettiva di ben ventuno artisti che collaborano con la Orlando da anni. Attraverso questa mostra racconta l’ospitalità che ha dato loro, anno dopo anno: alcuni grandi maestri e artisti più giovani, conosciuti attraverso recenti collaborazioni. In mostra: Giuseppe Biagi, Raffaele Bueno, Roberta Busato, Piero Pizzi Cannella, Jessica Carroll, Giuseppe Chiari, Michele Chiossi, Girolamo Ciulla, Silvia Del Grosso, Pino Deodato, Patricia Fraser, Godot (Maurizio Villani), Lucy Jochamowitz, Lorenzo Lazzeri, Aldo Mondino, Giacomo Piussi, Maurizio Rivieri, Silvina Spravkin, Giuseppe Vassallo, Emma Vitti e Kan Yasuda. La Orlando ha trasformato la sua galleria nelle stanze di un hotel e in ogni stanza c’è un artista e nell’altra sede, sempre a Pietrasanta, c’è la “suite”, con una particolare installazione.

Ci sono ancora due gallerie da visitare.

La sede in via Garibaldi della Galleria Poggiali propone, fino al 7 agosto, “The morning after the deluge”, doppia personale di Goldschmied & Chiari e Fabio Viale, un lavoro fotografico dalla forma circolare. Le opere a parete del duo composto da Sara Goldschmied ed Eleonora Chiari sono poste in dialogo con le sculture in marmo con i tatuaggi di Fabio Viale (che ha esposto lo scorso anno in Piazza del Duomo, nel Chiostro di Sant’Agostino e sul Pontile di Marina).  

Concludiamo il nostro percorso con quella che è stata la prima galleria ad aprire a Pietrasanta, Paola Raffo Arte Contemporanea. In linea con il suo lavoro iniziale, torna a rileggere la scultura presentando, fino al 1° agosto, la mostra di Silvio Santini: “Marble strips”, a cura di Paolo Emilio Antognoli.

In esposizione, sculture aniconiche e “Canneti” di marmo nero che trasformano la Galleria in un giardino segreto. Le sculture oscillano su basamenti, con un piccolo bordo che le ferma, in modo che non cadano. Questo movimento delle opere permette di vedere la forma che si muove nello spazio.  

Tutte queste esposizioni d’arte rappresentano un segno di rinascita, come quest’edizione della COLLECTORS NIGHT, una ripartenza dopo un periodo buio e complicato per tutti. Si sente in città questa voglia di tornare a godere dell’arte in presenza e questo evento e le sue mostre, sono dedicati proprio a questa energia.

(LE FOTO INSERITE IN QUESTO ARTICOLO, ESCLUSE QUELLE DELLE OPERE D’ARTE, SONO DI GIACOMO MOZZI)

Se cerchi informazioni:

date e orari delle mostre:  www.legalleriedipietrasanta.com

contatti: info@legalleriedipietrasanta.com, 

social: www.facebook.com/collectorsnight, www.instagram.com/collectorsnight

Vorrei raccontarti di tante realtà ed eventi del mondo dell’arte, che accrescono la passione per la cultura e per il bello…

… ma queste sono altre storie e te ne parlerò un’altra volta.

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Coinvolge sei studenti di Liceo, sei maestri di Street Art e dodici attività commerciali… come dodici sono le opere del Maestro Giacomo Puccini.

Un simposio di pittura

Da domenica 20 giugno, gli studenti di terza e quarta del Liceo Artistico Passaglia di Lucca, assistiti da alcuni insegnanti, realizzeranno un’opera pubblica su sei saracinesche del centro, situate tra via S. Paolino, piazza della Cittadella e via di Poggio, partecipando a un vero simposio di pittura, il cui tema sono le donne, nelle opere di Puccini. Il titolo dell’iniziativa è “Le donne di Puccini, sentinelle di Lucca”. 

Scriviti questa data: il 4 luglio ore 21, in occasione dell’inaugurazione, si svolgerà un concerto di lirica. La voce narrante della serata sarà quella di Enrico Beruschi.

Puccini On

Questo progetto fa parte dell’iniziativa intitolata Puccini On, dell’Associazione Club La Bohème di Lucca che si propone d’incontrare dodici eccellenze lucchesi, come dodici sono le opere pucciniane. L’iniziativa nasce da un’idea di Silvana Froli, cantante lirica lucchese di fama internazionale e Presidente dell’Associazione, così come questo nuovo progetto, realizzato Insieme a Tiziana Criscuoli, responsabile relazioni esterne del Club La Bohème. 

Come sai, la musica di Puccini lega Lucca alla tradizione dell’Opera, e l’Associazione Club La Bohème ha saputo intrecciarla all’operosità dei commercianti del centro storico della città (coinvolti con le loro serrande) e a importanti aziende del territorio lucchese, che partecipano in qualità di sponsor.

Oltre alle opere di sei studenti, le serrande saranno ammantate dal colore e dalle immagini di sei noti artisti di Street Art, tra i quali: “Am’l rum da me”, Maria “Rosmunda” Bressan, Rick Rojnic, Giada “Gammaphi” Fedeli, Giulia “oblo’” Bernini e Marco Fine (Marco Galli), direttore artistico del progetto (sua la scelta dello stile per realizzare le opere).

Quelle che ti mostro di seguito sono immagini dei bozzetti, i progetti delle opere che verranno realizzate dagli studenti. In copertina invece quelli degli artisti di Street Art.

L’immagine che i ragazzi hanno progettato a scuola, nei minimi dettagli, rappresenta il personaggio dell’opera pucciniana utilizzando simboli appropriati (come ad esempio le farfalle per la Butterfly). Il linguaggio stilistico da adottare, lontano dal realismo, è quello delle campiture piatte, “superflat”, evitando sfumature o mescolanze di colori, comprendendo anche una determinata paletta di colori. La materia finale da utilizzare sulle serrande in metallo è lo smalto all’acqua steso a pennello della Sikkens (del colorificio Bevilacqua). Tutto il materiale per la realizzazione finale verrà fornito dall’Associazione La Bohème di Lucca. 

Tra le eroine pucciniane ritratte, ci saranno la Tosca, la Manon, Mimì e Musetta (dalla Bohème), Fidelia e Tigrana (dall’Edgar) e Cio-Cio-San e Suzuki (da Butterfly). In totale dodici personaggi femminili che si esaltano a vicenda, rappresentati come immagini sulle saracinesche, al fine di abbellire la parte esterna degli esercizi commerciali coinvolti nel progetto e avvicinare i giovani studenti alle attività commerciali della città, all’opera di Puccini e alla storia del territorio. 

Gli esercizi commerciali che sostengono l’iniziativa, su cui lavoreranno gli studenti, sono: il Bar San Michele, il Forno Chifenti, il Bar Butterfly, l’Ex-cacioteca, l’Ex-Portobello e Lady Melany. Quelli su cui saranno gli artisti di street art a creare, invece sono: il Chiosco cartoleria, la Merceria, il Tabarro, il Gong, il Mercatino e la Ferramenta Barsanti.  

“Mi sono ispirata al lavoro sulle serrande che è stato fatto nelle vie centrali a Parma, terra di origine del Maestro Giuseppe Verdi – commenta la Froli –  e al percorso dedicato alle opere verdiane, su alcune saracinesche con immagini molto stilizzate e semplici. Quindi ho fatto un sondaggio per capire se si potesse fare anche a Lucca, magari realizzando immagini più complesse. Una Lucca, dinamica, giovane e interattiva ma anche consapevole delle sue tradizioni”. 

L’associazione Club La Bohème di Lucca ha subito scelto di coinvolgere i ragazzi del liceo, offrendo loro un’importante occasione per mettersi in gioco, resa più preziosa dal periodo di isolamento sociale appena trascorso.

“Ho pensato che poiché al liceo artistico si apprendono delle professionalità, come la pittura, queste dovessero essere condivise con la città che ospita la scuola. Una commissione, formata da dall’Associazione Club La Bohème, dall’art designer Marco Galli e dalla giuria di artisti, ha valutato i progetti dei ragazzi per la realizzazione di questo progetto. E sono state scelti sei lavori proposti dagli studenti. Gli altri sei saranno realizzati dai sei maestri di Street Art”.

Il primo obbiettivo è stato quello di coinvolgere i giovani, per renderli parte attiva del territorio e farli avvicinare all’opera di Puccini e al Puccini uomo. A partire da dicembre è stato intrapreso il progetto, e sono stati fatti incontri con gli studenti e i professori per entrare nella psicologia delle eroine pucciniane.  Si è scelto di trattare argomenti che potessero essere meno tecnici, ma più vicini al nostro territorio. Il lavoro dei studenti è stato coordinato dai professori.

“Anche in passato mi sarebbe sempre piaciuto che i giovani si fossero occupati di scenografie – prosegue la Froli –perché credo che se fai un istituto d’arte, puoi iniziare a prendere anche un palcoscenico come ambito per mettere in pratica ciò che stai studiando. Pertanto fare l’esperienza di stare vicino a questi maestri di Street Art, in un periodo difficile come quello appena trascorso, che ha fiaccato i loro entusiasmi, sia un modo per dare un po’ di energia positiva e guardare avanti. Questo è un progetto che vuole durare nel tempo, fino all’inverno, fino a che dura la pittura sulla saracinesca. In seguito, potremmo stabilire un accordo in modo che, in base anche alle disponibilità dell’esercente, la saracinesca venga poi mantenuta, restaurata, laddove ci siano dei danni o delle usure. Avvicinandoci infatti agli anni delle Celebrazioni Pucciniane, ci piacerebbe che questa galleria d’arte a cielo aperto, diventasse custode della zona di Lucca che riguarda maggiormente Puccini: dove ci sono la sua casa natale e la chiesa di San Paolino, dove ha suonato. Sono tutti riferimenti al Maestro: abbiamo voluto creare un vero e proprio percorso tematico. Su ogni saracinesca ci sarà il QR code, da cui ci si può ci collegare col proprio telefono per avere la spiegazione, sia del progetto in sé e quindi com’è nata quella saracinesca (con le riprese durante la lavorazione), che dei riferimenti all’opera stessa”.

Il percorso

Puoi seguire facilmente il percorso tematico:è realizzato in base alle date di composizione delle opere di Puccini. Ci saranno dei totem illustrativi all’inizio e alla fine di San Paolino. In piazza della cittadella verranno fatti i collegamenti tra le varie saracinesche, attraverso una numerazione, con una legenda del percorso.

Attorno a questo evento poi ne verranno creati altri, con la collaborazione dell’Istituto superiore di studi musicali “L. Boccherini” e di altre associazioni di imprese legate al territorio. In primis la Fosber che ha sposato fin dall’inizio questo progetto, un’azienda forte sul territorio, che si è dimostrata sempre sensibile alle iniziative dell’associazione. Così come l’oleificio Rocchi che ha sempre sostenuto questa e altre proposte dell’Associazione Club la Bohème. Altri partner di questa iniziativa sono la Fondazione Banca del Monte di Lucca e il Comune di Lucca. Al progetto collaborano, oltre al Liceo Artistico A. Passaglia, il MIUR ufficio territoriale scolastico di Lucca e Massa Carrara, la Soprintendenza di Lucca (nella figura della Dott.ssa Ilaria Boncompagni) e il Colorificio BL Distribuzione SRL per le vernici e la fotografa e video maker Lavinia Andreini per le realizzazioni video.

Forse sai già che tra quattro anni si svolgeranno le celebrazioni pucciniane. Il percorso celebrativo si è aperto nel 2020, ma essendo un anno difficile, è iniziato effettivamente nell’anno in corso. La volontà è quella di rappresentare il compositore Giacomo Puccini di queste dodici opere liriche, ma anche il Puccini uomo, cittadino di Lucca. L’appuntamento del 2024, oltre a Lucca, probabilmente coinvolgerà anche gli altri comuni pucciniani che, nella nostra provincia, sono anche altri: Massarosa, Viareggio e Celle.

Vorrei raccontarti di tanti altri eventi che contribuiscono ad arricchire la vita culturale del proprio territorio…

… ma queste sono altre storie e te ne parlerò un’altra volta.

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Finalmente siamo tornati in zona gialla e, dopo una lunga attesa, adesso puoi tornare nei tuoi luoghi del cuore. Oggi in particolare, voglio proporti un percorso all’aperto, che racchiude la storia artistica di questa città, dove potrai scoprire più di settanta sculture di artisti da tutto il mondo.

Ti parlo di un parco internazionale della scultura contemporanea, con le opere collocate nelle principali piazze e vie della città di Pietrasanta sulle rotonde, sul viale a mare e nelle frazioni limitrofe. Potrai visitarlo, cartina alla mano, a piedi, in bicicletta o anche in macchina. Un giro ideale da fare in primavera in Toscana.

Il percorso artistico è organizzato in tre itinerari, ai quali corrispondono altrettante mappe. SCARICA LE MAPPE CON I PERCORSI

Gli itinerari sono: il centro di Pietrasanta, che puoi percorrere anche a piedi oppure in bicicletta, la zona compresa fra la città e Marina di Pietrasanta e infine quella delle frazioni di Strettoia, Vallecchia e Capezzano Monte da raggiungere con l’auto, ma con le sculture disposte sempre a cielo aperto. 

Il Parco Internazionale della Scultura Contemporanea, aperto tutto l’anno, è fruibile gratuitamente e rientra nell’ambito del progetto #Pietrasanta365  promosso dal comune della città per renderla una metà turistica in tutte le stagioni. 

E’ composto da 74 opere di maestri contemporanei, sparse in tutto il territorio, come ti dicevo, dal litorale alle frazioni collinari, dall’antico centro storico alla verde piana.

Il Premio Fratelli Rosselli

Ti starai chiedendo com’è nato. S’è sviluppato nel corso del tempo: le prime sculture che ne fanno parte sono state acquisite dal Comune di Pietrasanta alla fine degli anni ’50, come opere d’arredo urbano.

Poi dal ‘91 la svolta con l’istituzione del Premio Fratelli Rosselli, grazie al quale ogni anno è stato dato un riconoscimento a uno scultore che ha portato il nome di Pietrasanta nel mondo (Jiménez Deredia è stato l’ultimo artista a riceverlo, lo scorso anno).

Dopo aver vinto il premio Rosselli, buona parte degli scultori hanno donato una loro opera alla città ed è così che il Parco Internazionale della Scultura Contemporanea s’è arricchito ogni anno di nuove sculture.

Ma senti la particolarità di questo premio: non viene conferito solo all’artista ma anche ai suoi più stretti collaboratori, quegli stessi artigiani che realizzano l’opera con un’esperienza che si tramanda di generazione in generazione e che hanno contribuito ad accrescere la fama di questa città.

Devi sapere infatti che Pietrasanta è stata ed è scelta da tanti artisti di spicco del panorama internazionale per lavorarci e in molti casi viverci stabilmente. E il motivo principale risiede proprio nei suoi laboratori di lavorazione del marmo e del bronzo che affiancano gli scultori nel loro lavoro.

Di  questo affascinante backstage del lavoro artistico ti parlerò in modo più approfondito in altri articoli. 

Passeggiando nel centro storico di Pietrasanta

Come forse avrai intuito, le opere che compongono il percorso dentro la città, sono posizionate per qualificare e rendere preziose e uniche le piazze, i luoghi storici e turistici e i suoi punti strategici. 

Iniziamo la nostra passeggiata nel parco. Abbiamo parcheggiato gratuitamente nella zona degli autobus; attraversato a piedi il sottopasso dei treni in Piazza della Stazione ci accoglie la scultura di Kan Yasuda “Myomu – Chiave del sogno”, posizionata non a caso in modo da inquadrare la Rocca Arrighina (la Rocchetta) di Pietrasanta, all’ingresso della città, quasi fosse l’obiettivo di una macchina fotografica di un viaggiatore.

E proprio dalla Porta Pisana Rocchetta entriamo in città. Attraversiamo Piazza del Duomo per proseguire su quella che anticamente era la Via Francigena: via Mazzini. Dopo averla percorsa tutta, in fondo, ci troviamo davanti proprio una riproduzione di una porta medioevale: “Peace Frame” di Nall che si trova in Piazza Francesco Crispi. Vuole anche essere una riflessione sullo scorrere del tempo e della storia e diventa anche una cartolina perfetta per selfie e fotografie.

Adesso non ti fermare, perché poco più avanti potremo ammirare diverse sculture. In Piazza Matteotti (dove si trova anche il Municipio), “Il Guerriero” di Fernando Botero ci guarda maestoso, pingue, svelando l’ironia del suo scultore.

Nella stessa piazza si trovano anche “Memoria di Pietrasanta” (i bovi in marmo che forse avrai già visto in alcune foto) di Pietro Cascella e anche “L’eredità” di Stanley Bleifeld, “L’adoratrice del Sole” di Maria Gamundi e “Il Danzatore” di Anna Chromy. E il “Il Cerchio del vento” in marmo di Muto Junkyu.

Tornando indietro troviamo Piazzetta del Centauro, nascosta dietro Piazza del Duomo. Prende il nome dalla scultura che ha ottenuto il riconoscimento Fratelli Rosselli nel ’93 e dal ’94 è stata collocata qui, è “Il Centauro” di Igor Mitoraj.

In questo caso la scultura è stata anche un’occasione di riqualificazione dello spazio urbano, grazie al coinvolgimento dell’artista nella progettazione, insieme all’architetto incaricato e l’amministrazione. 

Proseguendo, in Largo Padre Thomas Glynn puoi vedere la “Serenata” di Rinaldo Bigi e all’ingresso della città, proprio una volta entrata nella Rocchetta, “Il Cavalletto” di Romano Cosci. 

Non molto distante, in via Oberdan, trovi l’opera in bronzo “Flame” di Helaine Blumefeld e nel Piazzale Guiscardo (Terminal Bus) puoi ammirare la “Riflessione” di Michele Benedetto. 

Dominano invece sulle rotatorie di collegamento “Il Giudizio del Minotauro” di Franco Adami (via Primo Maggio e la via Aurelia), la “Continuacion” di Deredia (via Unità d’Italia/via Aurelia Sud) e “L’oiseau” di Jean Michel Folon (viale Apua/via Unità d’Italia). 

Fuori dalla città e nelle frazioni

Adesso possiamo andare alla scoperta delle frazioni. Prendiamo l’auto e andiamo a Strettoia, in via Casone, dove troviamo “I Pellegrini” di Neal Barab. A Capezzano Monte “Ferruccio Bresciani” di Romano Cosci e “Un soffio dalla collina” di Sylvestre Gauvrit. 

Ancora sul mare invece, ai giardini pubblici di Tonfano, trovi “Il Flamenco” di Giovanna Battaino, realizzato in marmo bianco di Carrara. Sul lungomare il monumento-memoriale all’11 settembre di Beatrice Fineschi, nella Piazza XXIV Maggio e la “Donna Tartaruga” di Novello Finotti (che ha realizzato anche il suggestivo “Sant’Antonio” sul Pontile che “sbuca” dal mare). All’ingresso del Pontile di Tonfano è collocata “La Potenza al Cubo” di Stefano Pierotti.

Proseguiamo! In Piazza D’Annunzio, a Fiumetto, si trova “La Bagnante” di Franco Miozzo e Giovanni Monreale con l’opera in vetroresina “17” e poi Helidon Xhixha con il suo “Oceano” d’acciaio, il “Nettuno” di Alfredo Sasso all’ingresso di Focette e sulla rotonda, nella strada che porta a Vallecchia, il Mr. Kiribati di Emanuele Giannelli. Di questo scultore ti avevo già parlato nell’articolo dove ti parlo dell’installazione della sua nuova scultura: Mr Arbitrium, un giant di circa sei metri, che verrà “appoggiato” al Palazzo Mediceo di Seravezza il 6 di maggio.

Le prossime opere in arrivo al Parco Internazionale della Scultura Contemporanea

Ci sono anche opere in arrivo e tu potresti essere la prima a vederle in questa sede. 

Quella di Luciano Pera che a breve verrà collocata a Marina di Pietrasanta e “Give”, le mani di Lorenzo Quinn, al momento esposte al Giardino di Boboli a Firenze. Arriverà in tarda primavera, donata al comune di Pietrasanta e collocata in uno spazio ancora da definire.

Nel Giardino della Lumaca verrà posizionata invece la lumaca in marmo di Andrea Grassi. Anche la scultrice coreana Choi Soon Yook donerà una scultura in marmo bianco: “Ego”. 

A breve saranno ultimate anche le didascalie del Parco Scultura, che permettono lungo il percorso di leggere le notizie più approfondite sul significato delle opere grazie a un QR Code che rimanda al sito. Mentre qui trovi le mappe, delle quali ti ho accennato all’inizio che si possono scaricare anche dal sito del Museo dei Bozzetti (presso il quale si possono ritirare quelle cartacee, così come in biblioteca) sotto la dicitura Parco.

E c’è anche la ZTA (Zona a Traffico Artistico) per chi volesse compiere un’originale visita guidata (per costi e info puoi scrivere a istituti.culturali@comune.pietrasanta.lu.it)

Vorrei raccontarti di tante altre occasioni per tornare a godere dell’arte…

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Viareggino di nascita, ha espresso la sua toscanità nel carattere asciutto e pratico a cui si contrapponeva la finezza dello stile della sua penna, capace di mostrare la bellezza della natura e l’animo umano, nei loro più intimi risvolti. Sempre coi piedi per terra eppure, al tempo stesso, capace di condividere coi suoi simili, ideali appassionati. Forte e sensibile al tempo stesso, temprato da una vita che lo aveva posto davanti a gravi prove e gli aveva forgiato l’animo, facendolo maturare in fretta, forse molto di più di quello che avrebbe realmente desiderato.

Giuliano Bimbi (Viareggio, 1911 – 2009) vincitore del premio Lerici – Pea (medaglia d’oro del Senato) per la poesia e del premio letterario Massarosa, ha pubblicato quattro raccolte di poesie e ha redatto, con Francesco Bergamini, il documentario storico “Antifascismo e Resistenza in Versilia”.  Collaboratore di riviste e testate giornalistiche, per anni ha raccontato su “Viareggio Ieri” le vicende storiche e culturali della perla della Versilia.     

Come ti dicevo, mi sembrava quanto mai opportuno raccontarti di questa figura che rappresenta bene il nostro territorio e un certo momento storico, proprio adesso, che ci stiamo avvicinando alla data del 25 aprile, la Festa della Liberazione.

L’antologia da me curata di poesie e racconti “Viareggio, Venere acerba”, Pezzini editore, è stata presentata il 18 maggio del 2019 nel museo GAMC in piazza Mazzini a Viareggio per ricordare Giuliano Bimbi, a dieci anni dalla sua scomparsa (1911-2009).

Viareggio Venere acerba si compone di due parti: poesia e prosa. 

• Le poesie sono raggruppate per temi:  Viareggio, l’altra;  I cari affetti;  I pensieri del cuore;  La guerra, la prigionia.  

Sono state selezionate, secondo una mia personale sensibilità, dalle quattro raccolte pubblicate quando ancora Giuliano Bimbi era in vita: L’ultimo volo, Di esistere ancora ci è dato, L’umana fiducia e Il canneto reciso. 

• La prosa è una raccolta di articoli giornalistici e racconti.  

Gli articoli, la maggior parte dei quali tratti da Viareggio Ieri,affrontano tematiche strettamente legate alle vicende della città: l’emigrazione da San Benedetto del Tronto, i festeggiamenti di Carnevale negli anni 20, la cultura viareggina a cavallo tra le due guerre, il taglio della “Macchia” agli inizi dell’800 e la nascita dei primi insediamenti abitati nei pressi dell’antico castello di via Regia. 

I racconti, narrano vicende legate alla guerra, alle esperienze dolorose della prigionia e della Resistenza al Nazifascismo. 

Vorrei riportarti, in particolare, questa poesia contenuta all’interno del libro: Sulla Sprea. Il titolo rimanda al fiume La Sprea, lungo le cui sponde si combatté la battaglia di Berlino nel 1945, decisiva per le sorti della Seconda Guerra Mondiale.

In quei giorni di primavera del 1945, la Germania nazista capitolava (“… il tempo dei Werther è finito…”) e Giuliano Bimbi celebrava con queste strofe la fine della guerra e la ritrovata speranza per giorni migliori.

Di seguito ti riporto anche la prefazione all’antologia Viareggio Venere acerba, scritta da Adolfo Lippi che ha ben saputo cogliere il carattere del personaggio:

Vi fu una generazione di viareggini, nata intorno al 1910, che produsse quadri, libri, poesie, racconti. Erano intellettuali ricchi di letture ad artisti fini. […] In questo mileu di caratteri forti, personalità originali, talenti ben espressi e maturati, Giuliano Bimbi spiccò, […] nonostante gli mancassero la mai cercata mondanità, il facile successo, il rapporto spettacolare con il mondo, con una forte coscienza puntata invece su uno sguardo sempre onesto alla natura, ai sentimenti, ai fatti culturali che avvenivano e che Giuliano Bimbi ragionava macerando una malinconia che lo rodeva ed era la malinconia di Rilke, quella degli appartati che non si riscaldavano, se non in piccole quotidiani gioie, alla vasta bellezza del mondo.

Riassume bene la vita di Giuliano Bimbi anche questo articolo, scritto dalla giornalista Ilaria Bonuccelli e pubblicato il giorno prima del novantesimo compleanno di Bimbi, il 27 maggio 2001:

VIAREGGIO. Giuliano Bimbi domani compie 90 anni. Continua a leggere i classici, a coltivare la passione per le monete antiche e per i versi. Con la stessa ritrosia che lo porta a non rammentare mai di aver vinto il premio Lerici-Pea (medaglia d’oro del Senato) per la poesia e anche il premio letterario Massarosa. Considera la sua  amicizia con Renato Santini, Eugenio Pardini – i pittori che hanno illustrato alcune sue raccolte di versi – un fatto del tutto personale. E non si rivolge mai in termini di «cenacolo cultu­rale», ai suoi amici di giovinezza, tutti scrittori persi per strada, Silvio Micheli, Leone Sbrana, Leonida Repaci. Di rado cita persino Mario Tobino, innamorato dei carciofi ri­pieni che la Pasqua – la compagna di una vita – si dilettava a cucinare nella vecchia casa di Lido di Camaiore, vicino alla villa di Rosso di San Secondo. Giuliano Bimbi è un in­tellettuale. Ma non da salotto. Forse perché la sua cultura (solida) se l’è costruita da solo, imparando il francese per leggere Flaubert in lingua originale e un po’ di tedesco per gustare la musicalità aspra di Goethe. E forse perché nella sua vita la poesia si è fatta spazio fra i vari lavori, la Resistenza e perfino la deportazione in Germania. È talmente scrittore e poeta, Giuliano Bimbi, da avere perfino un romanzo completo mai pubblicato. Ma in vita sua Bimbi ha scritto molto e bene. Ha pubblicato quattro raccolte di poesie: «Il canneto reciso» 1958; «L’umana fiducia» 1967; «Di esistere  ancora   ci  è  dato» 1975; «L’ultimo volo» 1987 e un documentario storico «Antifascismo e Resistenza in Versilia», insieme all’amico Francesco Bergamini, con cui per anni ha condiviso l’avventura di «Viareggio ieri», memoria storica e culturale della perla del Tirreno. Ma non solo: Bimbi è stato un collaboratore illustre di molte testate, dal Telegrafo all’Eco di Bergamo, e di riviste importanti come Il mondo di Pannunzio. La sua vita, però, non è stata solo di lettere. Anzi. Nasce il 28 maggio del 1911 in via Fratti, nella zona del mercato e frequenta le scuole tecniche, dove primeggia in italiano. E si lascia contagiare dalla passione per la poesia. Non lo contagia, invece, il Fascismo e si rifiuta di iscriversi al partito di Mussolini. Riesce a scampare alle botte grazie a uno stratagemma: quando lo vengono a cercare a casa, la mamma racconta che è già iscritto alla sezione di Pietrasanta.

Non gli va così bene con la seconda guerra mondiale: dopo 1’8 settembre 1943, lui che repubblichino non è, viene deportato dai tedeschi in Germania vicino Lipsia, nei campi «di lavoro coatto», dove resta quasi due anni, alternando il ruolo di traduttore (grazie al tedesco imparato leggendo Goethe) a quel­lo di minatore, al quale veniva retrocesso ogni volta che sabotava i carrelli della miniera. Lo libera l’armata rossa e torna a casa carico di libri e di una macchina da scrivere tedesca con l’aquila impressa, simbolo dell’impero appena caduto. Gli incubi, però, continuano per anni. Non si cancellano le ore passate in un vagone piombato, in­sieme a uomini impazziti. Quando torna in Italia Bimbi pesa 47 chili. E ha difficoltà a trovare lavoro, uno qualunque, lui che da ragazzo aveva anche venduto le stoffe dal Marchi, in via Garibaldi, dove oggi c’è la banca Commerciale. Per un po’ lavora al casinò Principe di Piemonte, poi, però, lo chiudono. Alla fine, grazie a un «compagno» trova un posto da impiegato all’ospedale, prima come straordinario, poi fisso, fino alla pensione. Nel frattempo con­tinua a scrivere, a leggere – è il momento di Keruac e della beat generation – e a coltivare l’amicizia con Santini e Pardini. Con cui è anche il giorno in cui, ragazzo, incontra sua moglie, Pasqua, durante una gita in campagna. La guarda e si innamora. Lei è bellissima, lui già un poeta. E con la sua luna di parole la conquista. (il. bo.)

È stato un piacere per me raccontarti e farti scoprire uno scrittore che forse ancora non conoscevi e che io… da nipote, ho avuto al fortuna di conoscere bene!

Sì, Giuliano Bimbi era mio nonno… e ne sono molto orgogliosa. 

Buon 25 aprile a tutti!

Vorrei raccontarti di altri intellettuali e artisti che hanno contribuito a rendere grande il nome della Toscana…

… ma queste sono altre storie e te ne parlerò un’altra volta.

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Un tour virtuale a Villa Bertelli 

La nuova mostra “Alfredo Catarsini – Esplorazioni”, partita il 26 di marzo, proseguirà fino al 6 di giugno, negli spazi di Villa Bertelli a Forte dei Marmi.

Potrai scoprire in modo autonomo tutte le opere dell’autore, con una risoluzione 4K, per accedere a tutta una serie di approfondimenti. La mostra infatti sarà visibile attraverso un tour virtuale negli spazi espositivi della Villa, connettendosi al link presente nella home page del sito web Fondazione Catarsini. Per connetterti al link, puoi usare qualsiasi dispositivo collegato ad internet (smartphone, tablet e computer).

Nel realizzare questa operazione, la Fondazione Alfredo Catarsini 1899 si è affidata all’architetto Marco Francesconi del team di professionisti che, tra l’altro, ha realizzato il tour virtuale delle sale del ‘500 veneziano delle Gallerie degli Uffizi e della Grotta del Buontalenti, nel Giardino di Boboli.

La mostra

L’idea di questa mostra a Forte dei Marmi, nasce per celebrare due momenti della lunga carriera dell’artista viareggino. Il primo, a distanza di quarant’anni, è la grande esposizione antologica “Alfredo Catarsini dal 1927 a oggi” (200 opere), allestita negli spazi della Strozzina (Palazzo Strozzi) a Firenze nel 1981. Il secondo momento risale a trent’anni fa: la grande mostra di opere di Catarsini, allestita nel 1991 negli spazi di Villa Paolina Bonaparte, a Viareggio.

L’esposizione di Villa Bertelli offre una valida chiave d’interpretazione dell’arte di Catarsini, attraverso un’accurata selezione di opere che, pur nella apparente diversità, hanno per comune denominatore il suo incessante bisogno di studiare, aggiornarsi, vivere il suo presente; in una parola, di “esplorare”.

Il percorso espositivo

Adesso ti starai chiedendo com’è strutturata questa mostra. È allestita in tre sale del primo piano della Villa, dove trova spazio una selezione di 64 opere  (vanno dal 1934 al 1982). Sono divise in quattro sezioni: paesaggi (12 dipinti), figure, ritratti, autoritratti e disegni (26 opere), Riflessismo (12 opere del periodo 1940-1947) e Simbolismo meccanico (11 dipinti del periodo 1970-1990). Questi ultimi due sono stili originali dell’artista. Vi sono inoltre alcuni documenti inediti, provenienti dall’Archivio Storico della Fondazione.

In aggiunta, potrai vistare una sala a parte ospita la proiezione di un video dedicato alla vicenda artistica di Alfredo Catarsini attraverso le opere, le immagini della sua casa natale e del suo atelier, oggi parte integrante dei Civici musei di Villa Paolina Bonaparte, a Viareggio, e della Fondazione nata recentemente in suo nome, dove sono custodite molte delle sue opere. La mostra è arricchita da una brochure a cura della Fondazione Alfredo Catarsini 1899.

La Fondazione Alfredo Catarsini

La Fondazione è intitolata al Maestro versiliese e ha appena ottenuto dal Ministero dell’Interno il riconoscimento di “Personalità giuridica”. Sin da subito l’obiettivo è stato la valorizzazione dell’opera intellettuale e artistica dell’artista, scomparso nel 1993, nonché la promozione e divulgazione delle “discipline artistiche”.

L’esposizione è curata dalla Presidente della Fondazione, Elena Martinelli, con la collaborazione del giornalista e scrittore Adolfo Lippi, Claudia Menichini e Andrea Pucci.

La mostra Arte Alfabeto Universale

Se abiti a Lucca, sappi che presso il Palazzo delle Esposizioni della Fondazione Banca del Monte di Lucca, riapre (virtualmente) una nuova mostra antologica dedicata all’artista della Costa d’Avorio Frédéric Bruly Bouabré, scomparso nel 2014. “Arte Alfabeto Universale” inizia venerdì 9 aprile con le visite virtuali e prosegue fino al 13 giugno.

Bouabré è uno degli autori internazionali più significativi del panorama culturale del Secondo Dopoguerra. Curata da Alessandro Romanini, l’esposizione presenta oltre 350 opere provenienti da collezioni private e dalla famiglia dell’artista, mettendo in evidenza le varie fasi della sua ultra cinquantennale carriera ed illustrandone i vari aspetti tematici, poetici e biografici grazie ad un ricco corredo di documenti e testimonianze storiche.

Video e attività digitali saranno tempestivamente comunicati sul sito della Fondazione Banca del Monte di Lucca e sui canali social della Fondazione e del Palazzo delle Esposizioni: (www.facebook.com/FondazioneBML – www.facebook.com/palazzoesposizionilucca –www.instagram.com/palazzoesposizionilucca).

Per altre informazioni: T. +39 0583 464062, mostre@fondazionebmluccaeventi.it.

Un concerto di lirica alla Scuola Superiore Estetica 

Se sei un’amante di musica lirica, come me, segnati questo evento.

Il giorno 23 aprile alle ore 21 sul canale youtube dell’Associazione Club La Bohème di Lucca, verrà trasmessa la rappresentazione lirica dal titolo “La voluttuosa Manon“, realizzata presso Le bellissime sale del palazzo borghese, dove ha sede la Scuola Superiore di Estetica a Lucca che ha sede a San Concordio, diretta dalla Dott.ssa Annamaria Frigo.

Dopo il successo riscosso dalla “Piccola Bohéme” presso lo showroom di Martinelli Luce (di cui ti ho parlato in un mio precedente articolo), l’Associazione, che ha stabilito un rapporto di reciproca fiducia con molte imprese lucchesi, torna con questo nuovo progetto.

Fa parte di un’iniziativa intitolata “Puccini On” e riporta il sottotitolo “Ad ognuno il suo Puccini”. Un’opera che, per mezzo dell’associazione, incontrerà dodici eccellenze lucchesi, come dodici sono le opere pucciniane. Tra queste appunto la Scuola Superiore di Estetica.

Protagonisti della rappresentazione, la soprano Silvana Froli (presidente dell’Associazione Club La Bohème di Lucca) che interpreta Manon; il tenore Giovanni Cervelli nel ruolo di Des Grieux, il baritono Michele Pierleoni come Lescaut e il tenore Claudio Sassetti in Edmondo. Al pianoforte il Maestro Flavio Fiorini e al flauto traverso Sara Tomei. 

La direttrice artistica dell’associazione Tiziana Criscuoli, che è anche farmacista, ci porterà nel mondo di Manon e del suo sentire, attraverso la descrizione degli animi dei  personaggi principali, collegando la storia dell’opera al mondo attuale. 

Qual’è il messaggio contenuto nel progetto? Quello di rivolgere una giusta importanza alla cura della propria bellezza e di sé stessi, senza arrivare a snaturarsi. Come sostenevano infatti molti saggi del passato, la cura del corpo e quella della mente passano attraverso un equilibrio, un’unione psicofisica e prima ancora per il rispetto di sé stessi, che non prescinde da quello per gli altri. 

Forse anche Puccini stesso avrebbe concordato su questa interpretazione della sua opera. Del resto il compositore amava salutare gli amici, a conclusione di una lettera, con uno “stammi sano”. Da persona di gusto raffinato e amante della bellezza in senso assoluto, probabilmente sarebbe rimasto affascinato dalle innovazioni in campo estetico realizzate oggi.  

Vorrei raccontarti di altre occasioni per tornare a godere dell’arte…

… ma queste sono altre storie e te ne parlerò un’altra volta. 

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Hai tempo fino alla fine di giugno per vedere quest’opera esposta a Seravezza. Dopo, nei mesi di luglio e agosto, sarà collocata nel centro di Pietrasanta. Mentre a settembre “spingerà” il Duomo di Carrara. Il nuovo progetto artistico è promosso dalla Fondazione Terre Medicee, curato da Filippo Rolla e patrocinato dal Comune di Seravezza, dove la scultura sarà presentata e resterà per due mesi, per essere poi raccontata e interpretata da personalità del mondo della filosofia, ospiti all’interno del Memo Festival, che ci svolgerà l’ultimo weekend di giugno a Palazzo Mediceo.

Il progetto artistico arriva dopo la personale “QuadrilegiO”, svoltasi a Parma nel 2020 per la rassegna d’arte contemporanea ‘Quadrilegio2020’ (in occasione di Parma Capitale Italia della Cultura). Tra le altre personali degli ultimi tre anni, l’installazione “Xtopia Tribù” del 2019, presso la Galleria Paola Raffo di Pietrasanta e la mostra “Altro come possibilità” del 2018, svoltasi a Forte dei Marmi, nel Fortino di Leopoldo I. Le avevi visitate?…

Mr Arbitrium

Il “giant” Mr Arbitrium appare nell’atto di spingere o sorreggere, a scelta dell’osservatore, l’architettura dove si trova di volta in volta collocato (in questo caso il Palazzo Mediceo, patrimonio Mondiale dell’UNESCO). È il frutto dell’ultima fase di ricerca dell’artista, che riflette su temi d’attualità, in particolare sui cambiamenti e ritmi accelerati del nostro tempo e pone all’osservatore un dilemma: se conservare le tradizioni e la cultura del passato, rappresentate in questo caso dall’edificio storico, oppure respingere la nostra storia e cultura di uomini occidentali. 

Se già conosci le sue opere, avrai notato che anche in questa scultura, appare una stretta relazione tra figurazione e concetto: Emanuele Giannelli ci costringe a interrogarci su tematiche contemporanee forti, di cui lui stesso si fa portavoce, interrogandosi su quello sarà il mondo tra venti/trent’anni. Il dubbio della scelta quindi è posto da un nuovo che avanza, avvertito dall’artista come potenzialmente minaccioso. Attraverso la sua opera l’artista però non vuole dare giudizi, bensì offrire un invito a riflettere su queste tematiche. 

In Mr Arbitrium soggetto e luogo dove si trova l’opera diventano un tutt’uno e aumenta la percezione del posto dove ci troviamo. Realizzata in resina, la scultura esce nello spazio urbano, per andare incontro alle persone, nell’ottica di un fare arte che diviene comunicazione sociale per tutti e non solo per gli addetti ai lavori. In questa chiave di lettura, rientra anche la teatralità dell’opera di Emanuele Giannelli, intesa come desiderio di colpire da subito l’attenzione dell’osservatore, lasciando poi lo spazio a un’interpretazione personale.

Dalle sue opere inoltre, si evince che l’artista non sia interessato al bello fine a sé stesso: quello che ricerca è la creazione di qualcosa che funzioni e abbia dentro un concetto che fuoriesca e faccia riflettere.

Da anni Emanuele Giannelli conduce una ricerca molto interessante sull’impatto-relazione che quotidianamente l’uomo contemporaneo ha e vive con la scienza, il progresso e la tecnologia. Lo scultore si interroga sui rischi di una tecnica che può portare alla disumanizzazione. In passato, nella sua ricerca si è spesso occupato dell’industrializzazione, quella storia dell’uomo occidentale degli ultimi centocinquant’anni.

La fascinazione per le visioni futuristiche e surreali e il progresso lo ha portato a raccontare, attraverso le sue opere, le contraddizioni del nostro tempo, raccontandoci di un’umanità in continua trasformazione. L’artista mostra un essere umano capace di cose eccezionali, e al tempo stesso individua in lui uno spirito autodistruttivo. 

In Mr Arbitrium ritorna anche il tema della gravità, ricorrente in molte opere e cicli dell’artista, come gli uomini e le donne blu di “Xtopia tribù” che nuotano, sospesi nell’aria, ponendosi al di sopra dello sguardo di chi li osserva, dirigendosi nella stessa direzione, come uno stormo di umani.  

Ancora la gravità, l’uomo contemporaneo e la tecnologia, il progresso e l’autodistruzione tornano nei gruppi di sculture come “I Sospesi” (2013), dove scorgiamo la fascinazione per le visioni futuristiche e surreali. Tema ripreso anche dai “Korf 17” (2017) e “I Visionari” (2012) dove si ritrovano i mondi fantascientifici di Philip K. Dick e Thomas Pynchon e il cinema in stile “Mad Max” e “Blade Runner”. Emanuele Giannelli non è alla prima esperienza con un giant: nel 2018 ha creato due sculture di 5 metri e mezzo (Korf 17).

A proposito di Mr Arbitrium

“La scultura è pensata con tutta la muscolatura in tensione, intenta a sorreggere la struttura o altrimenti a spingerla via in maniera decisa – spiega Emanuele Giannelli – giocare su tale ambivalenza è l’intento del mio progetto e nel duplice significato di questa azione si cela il concetto che sta alla base della mia opera. In un momento storico di grandi cambiamenti e di ritmi sempre più accelerati come quello che stiamo attraversando, a mio avviso, esiste realmente questo dilemma che inevitabilmente ci chiede di scegliere: spazzare via la Chiesa o l’edificio storico, simbolo delle Istituzioni, di storia, di cultura e tradizione passata o invece sostenere e difendere la Chiesa, la nostra storia millenaria, i simboli della cultura dell’Occidente? Credo che non solo nei prossimi decenni, ma già oggi dovremmo aver chiaro il percorso che vogliamo intraprendere, la scelta che intendiamo fare. Il futuro, secondo il mio modo di vedere e sentire, è già molto vicino: la scienza ogni giorno e da tempo ci propone e ci  parla di robotica, neuro-tecnologie, cellule staminali, clonazione, società digitali controllate ecc. D’altra parte, da sempre l’uomo condivide incertezze, paure, entusiasmi e progressi. Come si interfaccerà rispetto a tali sfide? Ognuno di noi sarà chiamato a decidere quale dei due diversi sentieri intraprendere: “spingere” oppure “sostenere”. Nel dubbio su quale direzione, filosofica e culturale, prendere, ognuno di noi metterà in campo il proprio “io”, agendo secondo le proprie capacità, competenze e soprattutto la propria coscienza. È qui che nasce l’idea che il soggetto protagonistanon sia più la scultura, ma noi stessi, l’umanità tutta. Tanti “io” portati a prendere quelle decisioni, tante interpretazioni simili o distanti tra loro, nella speranza di evitare fraintendimenti, malintesi o errori di valutazione. Il futuro e l’uomo passeranno da qui, almeno nella mia visione”.

Biografia di Emanuele Giannelli

Emanuele Giannelli è uno scultore contemporaneo nato a Roma nel 1962. Poco prima dei vent’anni si trasferisce a Carrara, capitale del marmo, e nel 1984 si diploma in Scultura all’Accademia di Belle Arti con il massimo dei voti. È in quegli anni che si avvia il progressivo distacco dalle correnti classiche, parallelamente a un sempre più stimolante avvicinamento alla scultura contemporanea, complici la cultura industriale da cui viene sempre più assorbito – la musica industriale ed elettronica, i libri, gli amici, i dischi, i fumetti – il punk come movimento giovanile di protesta, il movimento studentesco e gli scontri politici di fine anni ’70, che vede e vive da vicino, i tanti viaggi d’ispirazione tra Berlino e New York e il periodo vissuto a Londra nell’85. L’artista cresce così, sperimentando nuovi materiali e nuove tecniche con impetuosa curiosità e coscienza, ma anche sperimentando il mondo, fino a trovare una sua narrazione, che quasi come un’ossessione ritorna in tutte le sue opere e che vediamo ancora oggi: la figura umana in preda al caos della contemporaneità e alla trasformazione. Infine approda a Pietrasanta, terra di grandi scultori. Nei suoi quarant’anni di ricerca ha realizzato moltissime mostre personali e collettive, sia in Italia che all’ estero. Artista di respiro internazionale, sapientemente provocatore, Emanuele Giannelli costruisce le sue opere sull’equilibrio perfetto tra arte figurativa e arte concettuale. Racchiude dentro di sé la classicità della capitale e la geniale provocazione toscana, intesa da lui come una caratteristica positiva, in quanto capace di “provocare emozioni”. 

Vorrei raccontarti di altre occasioni per godere dell’arte a cielo aperto…

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